Edgar Degas 1834 - 1917

• Pintor del instante: "exigencia de contemporaneidad que lo lleva al límite, momentos, no sólo tema"
• Dibujo: no construye volúmenes sólidos
• Color: éste brinda el volumen
• Sensación de movimiento
• Trazos rápidos: técnica de pastel
• Prostitutas
• Ángulo extraño
• Autor ausente en la obra
• Autor: es solo un lugar
• Flaubert: pensamiento estético similar "ser un Dios de la nada"
• Tema fundamental
• Efecto "liviano"
• Movimiento -proyecto-
• Ilusión de movimiento
• Belleza del movimiento
• 2 influencias fundamentales: Kitaguma Utamaro; Estampa japonesa -su planitud y dibujo, líneas, mundo liviano como el dibujo-
• Perspectiva o ángulo inusual
• Encuadre o corte inusual
• Efecto borroso de la fotografía: sugiere a los artistas cómo crear el efecto de movimiento
• Foto: permite descomponer el movimiento en unidades
• Ello separa a Degas de los otros impresionistas, porque antes del ojo está la mente: el ojo es solo una herramienta; La mente es la que descompone el mundo al pensarlo
• Captar lo fotográfico 
• El gesto de la mano la fotografía no lo tiene
• Manet era fotógrafo amateur
• Fragmento y montaje
• Comparte con los impresionistas el interés del instante
• Se diferencia de ellos al defender el dibujo
• No crea peso ni volumen
• Trazo: genera cierta perspectiva, guía la mirada, sugiere el espacio
• Expone junto a los Impresionistas, pero no se considera uno de ellos

José Gil de Castro

"José Gil de Castro, Pintor de Libertadores", Natalia Majluf

• Expuesto en el Museo Histórico Nacional
• Representa los inicios de la historia republicana
• Emancipación de los pueblos americanos
• Pintor peruano
• Rol del arte y el artista en la sociedad desde una dimensión histórica, política, sociológica, antropológica, económica
• No hay suficiente registro del artista, ni retratos
• Figura decisiva en la Transición
• Firma: imagen de sí mismo
• Idea moderna de las Bellas Artes
• Subjetividad esquiva: autopresentación
• Semi anonimato de la firma: perfil de una narrativa biográfica
• Búsqueda de reconocimiento social y profesional
• Mulato Gil
• Pardo Libre [estatus racial]
• Eclavitud: estigma familiar
• Forma de designarse: nombres que dan cuenta de un deseo de ascendencia docial
• "de"-> importancia para la época [José Gil DE Castro]
• Pintura: prestigio entre las artes manuales mecánicas
• Caligrafía relevante
• Uso del Latín, idioma de culto del poder colonial, la iglesia, las ciencias y la universidad
• Latinismos: Forma de asociar pintores con las artes liberales, eleva el estatus de lo práctico
• Perú: pintores de origen negro o indígena -Lima-
• México: españoles
• Viaje a Chile debido a complicaciones en Perú: Chile-> recibe muchos encargos
• Documento de la mano de Gil de Castro: se identifica como "Don"
• Fue parte de la milicia: da prestigio a los afrodescendientes
• Retratista + cargo militar: encima de los modestos pintores de imágenes populares
• Retrato: género prestigioso
• En Chile el retrato era un género interesante: modelo limeño -> Lima: ejemplo del género. 
• Europa: el retrato era secundario
• Latinoamérica: el retrato era de prestigio especial
• Pintó a O'higgins-> a estas alturas cambia el latinismo por el castellano: ideas modernas
• "Ciudadano"-> Lo define como estatuto diferenciador o superior de las clases más bajas.
• Ciudadano: ideales republicanos
• 183O: Firma en el reverso: "José Gil"
• Última obra: P.J.G
• Ideal democrático de las revoluciones: le permiten soñar
• Nueva estética llegada de Europa: relega a los pintores locales. La promesa de igualdad del régimen republicano no se cumple.

Museología y Museografía

Museología

Corresponde a la teoría en torno a la que se construye la "ciencia" del museo, se estudia su historia, su función en sociedad, su sistema, sus relaciones institucionales, el tipo de educación, etc. 

Museografía

Corresponde a la técnica que expresa conocimientos museológicos en el museo. Arquitectura y ordenamiento de las instalaciones. Tiene que ver con el diseño. 

...

Tipos de Museología:

Museología tradicional:

S.XIX y parte del S.XX. Corresponde a la idea de "museo guardián", pues sus prioridades están puestas en torno a su colección. Se le puede entender también como "museo almacén", en el sentido de que el objeto tiene más importancia que la idea. Sus funciones son DIFUNDIR, ADQUIRIR, CONSERVAR, INVESTIGAR.

Dentro de su visión contempla las ideas de: EDIFICIO + COLECCIÓN + PÚBLICO

Adorno, T lo denomina en los años 60's como "Museo Mausoleo", refiriéndose a la crisis museológica. Era una crítica frontal a la concepción historicista. 

Nueva Museología: 

1972. Declaración de Québec. Da mayor importancia a la comunidad que a la colección. El museo sigue siendo protagonista de las decisiones, sin embargo se considera agente de cambio de la cultura y contempla dentro de su visión las ideas de: TERRITORIO + PATRIMONIO  + COMUNIDAD. Integran además una apertura económica al preocuparse del acceso gratuito e igualitario de toda la comunidad a su institución. 

Mantiene, de esta manera, un nivel de paternalismo con respecto a quienes lo visitan (desde el museo hacia la comunidad). 

Museología Crítica: 

La institución se democratiza. Horizontalidad con la comunidad. Se acepta la diversidad de lecturas. Se da importancia a la experiencia del visitante, en el sentido de que se contemplan las visitas mediadas en lugar de las visitas guiadas. Se incentiva a la reflexión y el descubrimiento del espectador. Este tipo de museo asume un rol político, cívico, social, educativo y crítico. Además de esto, da un paso más allá de la apertura económica (asegurando gratuidad en el acceso), al ofrecer una apertura dialógica (desde la comunidad hacia el museo).

Juan Francisco González (1853-1933)

• Pintor chileno
• Reconocido como uno de los Maestros de la Pintura Chilena
• Formó parte del grupo literario "Los Diez"
• Fue uno de los primeros pintores modernos en Chile.
• Guarda similitudes con el impresionismo, alberga un espíritu romántico.
• Fue uno de los primeros maestros de los artistas de la Generación del 13

Una frase que decía a sus alumnos, era que para pintar bien «primero se debía aprender a observar y a emocionarse con los colores y las formas de la naturaleza, sin importar si el dibujo y sus detalles son reflejo exacto de la realidad».

• Se enfocaba en pintura de naturalezas muertas, paisajes y retratos, generalmente en pequeños formatos. (No son grandes géneros pictóricos, por los que, en especial la naturaleza muerta y el paisaje, otorgaba mayor libertad expresiva y de exploración)
• Estudió aspectos plásticos como la intensidad y saturación del color, el trazo y la luz natural, lo que generaba rupturas con los ideales academicistas vigentes en Chile.

• De esta forma, su traspaso de la objetividad visual a la subjetividad,  tuvo efectos revolucionarios en la pintura del país. 

"Dirigió sus enseñanzas a un aprendizaje técnico muy libre, irradió una vivaz e inquieta personalidad y comunicó su actitud frente al arte como una postura ante la existencia, llegando a ser considerado por sus predecesores como un ejemplo a seguir.

Su influencia se hizo presente en Alfredo Helsby, Pablo Burchard, algunos pintores de la Generación del ´13, del Grupo Montparnasse, la Generación del ‘28, a través de artistas como María Tupper, Augusto Eguiluz, Ana Cortés, Marta Villanueva, Enrieta Petit, Laureana Guevara, Waldo Vila, Camilo Mori, Héctor Cáceres, entre otros"

Referencia:

http://www.portaldearte.cl/autores/gonzalez3.htm

Fernando Álvarez de Sotomayor (1875-1960)

• Pintor español
• Realista
• Fue director de la Escuela de Bellas Artes de Santiago
• "dejó una marca original favoreciendo los temas populares y la impronta hispánica en la primera generación de artistas chilenos reconocida como la "Generación del 13" ".
• Orientó a sus alumnos a explorar la cotidianeidad y las peculiaridades del pueblo en sus pinturas. 
• Los instó, así, a adentrarse en la condición social y humilde de la realidad chilena, con la que sus alumnos, además, se identificaban. 
• Por último, fue clave en el proceso de intensificación del color en un sentido más personal y expresivo, apartándose de los parámetros académicos. Ello abrió camino para posteriores estilos en Chile, más ligados al expresionismo.

"A su estilo de enseñanza clásica y realista depurada, agregó la tendencia hispánica que desplazó al persistente influjo romántico francés que hasta ese momento se había impuesto en las artes nacionales. Dio énfasis a la composición y rescató el valor de los temas costumbristas tanto de su tierra natal como de Chile, característica que logró difundir ampliamente entre sus discípulos. Fue responsable de la formación de un numeroso grupo de artistas, catalogado históricamente bajo títulos diferentes de acuerdo a los acontecimientos de principios del siglo XX" (Generación del 13)

(Cena Gallega)

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_%C3%81lvarez_de_Sotomayor

http://www.mnba.cl/617/w3-article-29934.html

Cézanne (1839 - 1906)

• Pintor francés
• Post-impresionista
• Su obra es considerada la iniciadora del quiebre entre la pintura decimonónica y la del siglo XX.
• Influenció en la creación de la posterior vanguardia Cubista.
• ("Puente" entre el impresionismo y el cubismo)
• Inspiró además a artistas como Picasso, Braque, Van Gogh, Gauguin, Matisse y Gris. 

Émile Zola (1840 - 1902)

• Escritor francés
• Considerado el padre del movimiento literario "Naturalismo" 
• Fue amigo de los pintores Paul Gauguin y Cézanne.
• Tiene escritos (por ejemplo, en El momento artístico) en que exhalta valores de la Modernidad en el arte. 
• Tuvo participación en el Caso Dreyfus

''Le gustaba trabajar en series, quizá influido por los pintores impresionistas, a quienes defendió desde un principio como crítico de arte, en sus primeros artículos periodísticos''. 

Obras:

Germinal

L'Assommoir

Nana

El Paraíso de las Damas

La obra

La fortuna de Rougon

 La Bestia Humana

El Vientre de París
El doctor Pascal

Referencia:

https://elpais.com/diario/2009/08/15/babelia/1250291167_850215.html

El Momento Artístico

Émile Zola

• El escritor expone su propia y personal Teoría sobre el arte. 
• Según él, para el público, el arte es algo "delicado que conmueve el corazón de un modo dulce o terrible" (bello o sublime) 
• Sin embargo, para él, el arte debe ser aquello que represente una personalidad, una individualidad.
• Es por esto que no le da importancia al "gustar o no gustar", sino que exhalta la expresión, el abrirse, el "manifestar enérgicamente la individualidad" 
• Dice que la palabra "arte" le desagrada. 
• Esto, debido a que considera una serie de reglas, un sistema, y ese afán de cumplimiento reprimiría la verdadera creación.

"Lo que busco en un cuadro es ante todo un hombre y no un cuadro", dice. 

• Observa dos elementos en la obra: la realidad (naturaleza, es permanente y no cambia) y lo individual (el hombre, es creativo, infinito como el temperamento y los cambios biológicos)

"No deseo retornos al pasado (...) cuadros pintados según un ideal compuesto por fragmentos de ideal recogidos de todos los tiempos. ¡No quiero nada que no sea vida, temperamento, realidad!" 

• Considera que en los salones hay demasiada mediocridad. "Diez mil cuadros, pero no diez mil hombres". 
• Pero le tiene fe a su época, llena de cambios, de revoluciones. Valora a los "talentos" y a los "genios". 
• Habla de que es una época en que, además, se necesitan muchos pintores, y se los "genera en masa", dándoles los "mejores consejos para agradar y no herir los gustos de la época" 
• Pero estos consejos, los considera un error, y menciona que, mientras en el Renacimiento los pintores se maravillaban con naturalezas poderosas y vitales, mientras que los pintores de su contemporaneidad se preocupan de "naderías". 
• Asemeja el vigor de pintar con una fuerza masculina, mientras que lo poético, lo nervioso, lo desaprueba y lo asemeja a lo femenino. 
• Cierra el texto con la frase: 

"Nuestros padres se rieron de Courbet y, sin embargo, nosotros nos extasiamos ante él; ahora nos reímos de Manet y serán nuestros hijos los que se extasíen ante sus cuadros"

Cloisionismo (cloisonné)

Desarrollada por Émile Bernard en el S.XIX

Paul Gauguin utilizaba esta técnica para destacar el color en sus pinturas.
Técnica de esmaltado que sella las figuras y el color.
Tiene orígenes medievales, posiblemente orientales.
Influencias del japonismo.
Colores puros, brillantes, encerrados por una línea. 
Tiene, así, un efecto decorativo.
Se suele usar en cerámicas

Van Gogh (1853 - 1890)

· Pintor francés
· Postimpresionismo

· Influyó  en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Matisse, Derain y Kees Van Dongen.

· Su obra se caracteriza por dar una importancia emotiva al color: se sirve de él como un vehículo emocional.

· Fue amigo de Gauguin, con quien comparte esta percepción de que la pintura tiene que ver con el sentir, con la expresión.

· Escribió varias cartas a su hermano Theo, que permiten comprender mejor el pensamiento del artista y su concepción de lo que hacía:

· En una de las cartas, Van Gogh dice que admira el arte japonés, por su simpleza y pureza en el trazo.

· También, muestra la gran influencia que la Teoría del Color tiene en su obra: “Lo que el colorido es en el cuadro, eso es en la vida el entusiasmo, y no es poca cosa buscarlo y conservarlo”

· El paisaje, para Van Gogh, resultó especialmente significativo en su obra, pues era a través de él que puede “expresar algo de la lucha de la vida. (…) Es lo dramático [en un paisaje] lo que nos hace encontrar (…) algo que hace sentir a uno: expone la naturaleza en un momento y en una forma tales, que se puede ir hacia ella sin compañía”

Paul Gauguin (1848 - 1903)

Pintor francés
· Pertenece al período Post-impresionista
· Como Van Gogh (de quien era amigo) da importancia al uso del color como medio de expresión emocional. 
También tuvo una amistad con el escritor Émile Zola. 

Se le considera precursor de vanguardias como el Fovismo y el Expresionismo Alemán.

· Busca expresar en sus pinturas el sentir puro, el instinto, la experiencia originaria que se encuentra fuera de la civilización. Por motivos como este, viaja a Tahití, donde pinta gran parte de sus obras, en las que destacan aspectos como: lo místico, lo onírico, lo exótico, lo primitivo (primitivismo), lo chamánico y espiritual, lo enigmático.

· Su pintura tiene un efecto plano. Usa los colores de manera pura, pero austera, al tiempo que presenta temáticas austeras (cotidianas) en su pintura. 

· Tiene un importante sentido de la línea, que remarca los colores (como se observa en su uso del cloisionismo). No hay luz ni sobra representadas en su obra, pues, como se dijo, da mayor importancia al color, del cual emanaría la luz. Así, sacrifica el volumen, la forma y la verosimilitud en pos del color. 

· Rechaza tendencias “científicas” en la pintura (como el puntillismo)

The Birth of Christ, 1896

William Fox Talbot (1800 – 1877)

Británico

·       Fotógrafo, inventor, filósofo, matemático, político en el Parlamento inglés.

·       Fue uno de los pioneros de la fotografía.

·       Creador del calotipo, patentado en 1842.

"Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron fotografías impresas. El libro detalla el desarrollo del calotipo por (…) El libro ilustra algunas de las posibles aplicaciones de la nueva tecnología. Incluyen varios estudios de arquitectura, escenarios, naturaleza muerta, primeros planos, facsímiles de láminas, dibujos y textos"

"Aunque no era un artista, Talbot esperó siempre mostrar cómo la fotografía podía convertirse en una nueva forma de arte con imágenes como La puerta abierta”:

• Conocido por inventar el sistema negativo-positivo fotográfico: el Calotipo.

 "A diferencia del daguerrotipo, del que solo existía una imagen única, el calotipo de Talbot permitía crear múltiples copias de un negativo original, presagiando en gran medida la mecanización y seriación de la imagen de los medios de comunicación de masas del siglo posterior." 

No tuvo gran acogida, debido fundamentalmente al grano del negativo, visible en las copias, y a que contrastaba con la nitidez de la imagen conseguida directamente sobre la superficie esmerilada del daguerrotipo. El propio Talbot defendía esta textura como un efecto “Rembrandt” de enormes posibilidades estéticas.

El interés de Talbot por el arte es evidente, incluso llegando a destacar tímidamente el medio como un instrumento de expresión artística especialmente indicado para aquellos sin talento para el dibujo y la pintura. 

El calotipo tuvo más arraigo en los círculos artísticos que el daguerrotipo. 

Se instaura con los calotipos de Talbot un interés por lo difuminado, que inmediatamente es construido como un efecto artístico más cercano a la pintura. 

• Por ejemplo, en la obra impresionista de Edgar Degas, se puede observar cómo el difuminado y la borrosidad de la imagen aportan a la sensación pictórica de inmediatez y dinamismo. Efectos que el pintor rescató de la fotografía. (De hecho, Degas era también un fotógrafo). 

"El excesivo detalle fotográfico del daguerrotipo parecía amenazar las aspiraciones artísticas de muchos fotógrafos; (…) La difuminación del calotipo permitió a las primeras generaciones de fotógrafos experimentar artísticamente con un medio que todavía se estaba inventando a sí mismo. (Inicios del debate de si la fotografía es o no arte". 

(Baudelaire, por ejemplo, rechazaba la fotografía)

Referencias:

http://www.elcultural.com/revista/arte/Pionero-William-Henry-Fox-Talbot/188

https://es.wikipedia.org/wiki/William_Fox_Talbot

http://www.fotonostra.com/biografias/williamfoxtalbot.htm

Flâneur

Francés: “Paseante, callejero, vagabundeo”

En 1860, en plena reconstrucción de París por el Barón Haussmann bajo el 
reinado de Napoleón III, Charles Baudelaire presenta en su obra al flâneur 
como el artista-poeta de la moderna metrópolis:

Rue de Paris, Caillebotte,1877

La multitud es su elemento, como el aire para los pájaros y el agua para los peces. Su pasión y su profesión le llevan a hacerse una sola carne con la multitud. Para el perfecto flâneur, para el observador apasionado, es una alegría inmensa establecer su morada en el corazón de la multitud, entre el flujo y reflujo del movimiento, en medio de lo fugitivo y lo infinito. Estar lejos del hogar y aun así sentirse en casa en cualquier parte, contemplar el mundo, estar en el centro del mundo, y sin embargo pasar inadvertido —tales son los pequeños placeres de estos espíritus independientes, apasionados, incorruptibles, que la lengua apenas alcanza a definir torpemente. El espectador es un príncipe que vaya donde vaya se regocija en su anonimato. El amante de la vida hace del mundo entero su familia, del mismo modo que el amante del bello sexo aumenta su familia con todas las bellezas que alguna vez conoció, accesibles e inaccesibles, o como el amante de imágenes vive en una sociedad mágica de sueños pintados sobre un lienzo. Así, el amante de la vida universal penetra en la multitud como un inmenso cúmulo de energía eléctrica. O podríamos verlo como un espejo tan grande como la propia multitud, un caleidoscopio dotado de conciencia, que en cada uno de sus movimientos reproduce la multiplicidad de la vida, la gracia intermitente de todos los fragmentos de la vida.

· Walter Benjamin lo con vierte en un interés académico a partir de dicha obra:

Describía el flâneur como la figura esencial del moderno espectador urbano, un detective aficionado y un investigador de la ciudad. Más aún, su flâneur era un producto de la alienación propia de la ciudad y del capitalismo. Para Benjamin, el flâneur conoce su fin con la llegada de la sociedad de consumo. En estos textos, el flâneur es a menudo yuxtapuesto a la figura del badaud, el "mirón" o "papanatas".

Se lo puede relacionar con el relato “El hombre de la multitud” de Edgar Allan Poe

Referencia:

https://caminarporlaplaya.wordpress.com/2013/10/20/flaneur-charles-baudelaire/

Decadentismo (1880-1900)

Corriente artística, filosófica y literaria, originada en Francia

Su denominación surge como un término despectivo e irónico empleado por la crítica académica, sin embargo, la definición fue adoptaba por aquellos a quienes iba destinada.

Refleja la rebelión contra la moral tradicional y el naturalismo a través del refinamiento exagerado y la evasión de la realidad.

Su espíritu "rebelde y sufrido" tendría sus orígenes en las concepciones del Romanticismo. 

Nace en una época de transición entre la economía de libre mercado y el capitalismo.

Manifestó un estancamiento económico que daría lugar a la renovación del sistema productivo, a la represión de las masas populares y a la preocupación por las cuestión de tipo social.

Se asocia el apelativo a los diferentes niveles de la vida del hombre de la "belle époque"

Arremete contra la moral y las costumbres burguesas, pretende la evasión de la realidad cotidiana, exalta el heroísmo individual y desdichado, explora las regiones más extremas de la sensibilidad y del inconsciente.

Joris Karl Huysmans, “A rebours”

Oscar Wilde “El retratro de Dorian Gray”

Walter Pater “Retratos imaginarios”

Gabriele D’Annunzio “El placer”

Isidore Ducasse ”Conde de Lautréamont”

Marguerite Vallete ”Rachilde”

Los Poetas Malditos (1884)

 Libro de ensayos del poeta Paul Verlaine

El concepto de "malditismo", contribuyó a la la visión mitificada de los artistas como "genios sufridos", únicos y especiales en su individualidad, hombres cuerdos en un mundo de gente loca. 

 El texto honra a los siguientes poetas:

Arthur Rimbaud

Stéphane Mallarmé

Marceline Desbordes-Valmore

Auguste Villiers de L'Isle-Adam

Pobre Lelian

Además menciona a:

Charles Baudelaire, François Villon, Aloysius Bertrand, Antonin Artaud, Olivier Larronde, Innokienti Ánnienski, John Keats, Federico García Lorca, Alejandra Pizarnik, Edgar Allan Poe, J.C. Onetty, Isiddore Ducasse.

Existió un tiempo en donde la palabra artista significaba una persona con pocos recursos, y que dedica todo su tiempo a crear entre obsesiones, problemas, alcohol y excesos. En nuestra historia, hemos conocido a estos genios que única y exclusivamente hacen lo que mejor saben hacer, encerrados, explorando sus demonios y entregándose al desenfreno de la vida.

Estos artistas son aquellos que marcaron una época, la vie bohème de finales del siglo XIX y XX. Vinieron a ser conocidos como los vanguardistas, los escritores furiosos que hablaban de los lados no estéticos del arte y la vida.

En el campo de la literatura,, estos personajes son conocidos como los Poetas Malditos, literatos que por su estilo de vida y forma de escribir son conocidos por su afición por hablar sobre la decadencia de la naturaleza humana.

Estos creativos siempre fueron seres atormentados e incomprendidos, teniendo vidas trágicas y entregados con frecuencia a actitudes autodestructivas; que para el autor, eran consecuencia de su gran talento.

El concepto poeta maldito nace específicamente del poema Bendición de Charles Baudelaire, con el que inicia su libro Las Flores del Mal. Con el paso del tiempo, este término empezó a ser usado junto con el de malditismo para referirse a cualquier poeta, escritor e incluso artista plástico que compartía con los otros creativos este sentido de no pertenencia, llevar una vida bohemia y rechazo a las normas, por lo que a su vez desarrollan un arte completamente divergente.

Referencia:

http://fahrenheitmagazine.com/cultura/letras/por-que-se-llamaban-poetas-malditos/

Arthur Rimbaud (1854-1891)

Poeta francés

·      Considerado como la cumbre del simbolismo francés.

·      Reconocido como uno de los poetas malditos.

·      Tuvo un romance con el joven poeta Paul Verlaine.

Rimbaud está considerado como la cumbre del simbolismo francés, precursor de la poesía moderna, su obra es decadente y sensual. De su obra habría que destacar "Iluminaciones" o "Una temporada en el infierno" 

Obras importantes:

Iluminaciones

Una temporada en el infierno

Cartas del vidente

Vocales

El barco ebrio

Paul Verlaine (1844-1896)

·      Poeta francés

·      Perteneció al movimiento simbolista y al decadentismo. 

·      Tuvo un romance con el joven poeta Arthur Rimbaud.

·      Precursor del modernismo.

Su poesía es decadente, se basa en la musicalidad de los versos y la repetición de los sonidos, con el fin de transmitir su intimidad y sentimientos. 

·       Sus “Poemas saturnianos” son inspirados por Baudelaire.

·       Escribe “Los poetas malditos”:

Fue uno de los primeros autores en exponer que el genio que distinguía a estos literatos dentro de su individual y única forma había sido también su maldición, ya que se habían vuelto una especie de ermitaños que se regocijaban de sus condiciones adversas. 

Los poetas malditos

Poemas saturnianos

Sabiduría

Arte Poética

Charles Baudelaire (1821-1867)

·    Poeta, ensayista, crítico de arte.
.    Francés

Incluido entre los poetas malditos, debido a su vida bohemia y la temática de sus escritos.

·    Simbolismo francés.

·    Influenciado por Edgar Allan Poe.

·    Relacionado con el Decadentismo.

 

Retrato hecho por Courbet

El poeta simbolista Paul Verlaine escribió acerca de Baudelaire, incluyéndolo entre los poetas malditos.

Usó el término "flaneur" para referirse al caminante que se pierde entre la multitud de las ciudades concurridas. Esto es basado en la transformación de París tras el Segundo Imperio de Napoleón III y el baron Haussman, que transformó la ciudad mediante amplias avenidas y bulevares.

Relacionado con Walter Benjamin, quien trabajó con el concepto del flaneur.

*Su concepción de la modernidad ha sido ampliamente estudiada para la comprensión del fenómeno de lo moderno y  lo posmoderno. 

Obras importantes:

Las flores del mal

El pintor de la vida moderna  

Los paraísos artificiales

Spleen de París